開館50周年記念「モダンアートの街・新宿」（ＳＯＭＰＯ美術館）開幕レポート。新宿ゆかりの芸術家たちの半世紀にわたる軌跡をたどる

　東京・新宿にあるＳＯＭＰＯ美術館で、開館50周年記念「モダンアートの街・新宿」が開幕した。会期は2月15日まで。担当学芸員は古舘遼（ＳＯＭＰＯ美術館学芸員）。

　1976年7月、新宿に開館したＳＯＭＰＯ美術館。本展は、同館の開館50周年を記念して開催される、「新宿」をテーマとした展覧会である。明治時代末期の新宿には、新進的な芸術家が集まり、近代美術の大きな拠点のひとつとなっていた。中村彝、佐伯祐三、松本竣介、宮脇愛子など、新宿ゆかりの芸術家たちの約半世紀にわたる軌跡をたどる、新宿の美術館としての初めての試みとなっている。

　本展は、4つの章と2つのコラムから構成されている。各章ではキーパーソンが立てられ、時代を下るようにそれぞれが紹介される構成となっている。

　第1章「中村彝と中村屋　ルーツとしての新宿」では、1909年、相馬愛蔵・黒光夫妻が新宿に本店を構えた中村屋に集う作家たちと、その中心的存在であった中村彝に焦点が当てられる。中村屋には、ロダンに大きな影響を受けた彫刻家・荻原守衛（碌山）をはじめとする多くの新進芸術家たちが集まり、「中村屋サロン」がつくられた。この「中村屋サロン」は日本の近代美術史におけるルーツのひとつとも言える。

　中村彝は荻原のもとに通い、それをきっかけに中村屋に集う作家との交流機会を得ていた。体調悪化により外出がまともにできなかった中村彝が創作の探究に力を入れたのは静物画であり、下落合のアトリエで制作された静物画の代表作《カルピスの包み紙のある静物》が会場で紹介されている。外光がよく入るアトリエだったことから、全体的に明るい印象の作品となっており、相馬愛蔵からの見舞い品であったカルピスが描かれている。また初期から晩年までの自画像も紹介されており、中村彝の画業を広く知ることができるような内容となっている。

　続いて、1つ目のコラム「文学と美術」が展開される。文学と美術の切っても切り離せない関係に着目し、新宿ゆかりの作家を描いた肖像画や、文学者と画家との交流をうかがわせる作品が紹介されている。当時の文学を語るうえで欠かせない存在のひとつに、1910年に創刊された雑誌『白樺』が挙げられるだろう。西洋美術を見る機会が少なかった当時、カラー図版でそれらを紹介したことで、セザンヌやファン・ゴッホといった西洋の芸術家たちへの注目を促した。そんな『白樺』の中心的な存在のひとりだった武者小路実篤を岸田劉生が描いた《武者小路実篤像》も紹介されている。

　また、小泉清による《向日葵》も本コラム企画の目玉のひとつと言えるだろう。読売新聞社主催の第1回新興日本美術展に出品された作品だが、学生時代に実篤宅で見たファン・ゴッホの《ひまわり》を意識したものである。《ひまわり》を収蔵する同館とのつながりも感じられる。

　中村彝の時代では海外渡航が難しかったが、社会が変化してきたことで海外との繋がりを持ちやすくなっていく。そこで、続く第2章「佐伯祐三とパリ / 新宿　往還する芸術家」では、パリと日本を行き来しながら制作を展開した作家、佐伯祐三が紹介される。1924年に、佐伯は家族とともにパリへ渡り、里見勝蔵を訪問。その際モーリス・ド・ヴラマンクに出会い、その場で作品を見せたところアカデミックだと非難される。それを機に佐伯は写実表現をやめ、都市風景を速記的に描く画風を確立させた。

　生涯を通じて自画像を描いた佐伯の、自画像代表作と言われる《立てる自画像》はそんな1924年に制作された。全身像が描かれる構図は、佐伯のほか作品と比較してもユニークなものである。

　また本章では、佐伯と同世代であり、若くしてパリへ渡った日本人作家として東郷青児も紹介されている。1976年に東郷青児美術館として出発した同館は、当然ながら東郷作品を多く所蔵しているが、本章では、第15回二科展に特別陳列されたうちの一点である《ピエロ》が紹介されている。

　2つ目のコラム「描かれた新宿」では、昭和初期に刊行された版画集である『画集新宿』と『新東京百景』を中心に、同時代に描かれた新宿や、新宿を生きた作家たちの作品が特集されている。当時の新宿の都市生活、娯楽、名所旧跡などの様子を現在と照らしあわせながら鑑賞するのもおすすめだ。

　第3章「松本竣介と綜合工房　手作りのネットワーク」では、新宿に隣接した池袋を拠点としていた松本竣介と、松本が下落合に構えたアトリエ「綜合工房」に注目した内容となっている。1930年代、池袋一帯には多くの芸術家がアトリエ村をつくっており、これらは「池袋モンパルナス」と呼ばれた。池袋モンパルナスを代表する作家には、靉光（あいみつ）、麻生三郎、鶴岡政男、寺田政明などが挙げられる。

　松本の《N駅近く》と題された作品は、1940年に描かれた風景画である。本作に見られる通り、松本は様々な角度から捉えた建物や通り、人々などを、遠近感もバラバラに組み合わせ平面上に落とし込む手法を確立している。この手法は後に「モンタージュ」と呼ばれるようになった。なお、N駅とは西武新宿線の中井駅を指しているという。

　本章は、階を別にして2会場で展開されているが、2つ目の会場入り口正面に見えるのが、本展のキービジュアルに使われている《立てる像》である。本作は第29回二科展出品作で、松本が描いた自画像のなかでも最大級のものであり、背景には新宿の街が描かれている。

　本章の最後に紹介される、1943年に松本竣介、麻生三郎らと新人画会を結成した寺田政明の作品《ひまわり》も一際目を引く作品である。寺田も池袋モンパルナスで松本らと交流をしていた作家のひとりだが、早くからシュルレアリスムに関心を持っていたことでも知られている。

　シュルレアリスムに関心のあった寺田の作品から連続するように構成された第4章は「阿部展也と瀧口修造　美術のジャンルを越えて」と題される。

　本章では、第1回モダンアート展への出品を機に阿部展也を名乗った阿部芳文と、西落合へ移った評論家・美術家の瀧口修造に着目。日本における初期のシュルレアリスム表現として記念碑的に位置付けられる作品である、阿部と瀧口の共作詩画集『妖精の距離』が展覧されている。

　また会場では、阿部のもとに集まり、瀧口の命名により結成された「実験工房」のメンバーによる作品も展示。絵画や写真、彫刻、音楽、映像、舞台、詩などジャンルを横断する活動を展開した彼らの作品から、絵筆で描くことから距離を置き、新しい手法を絵画に取り入れる試みがあったことを知ることができる。また実験工房のメンバー以外にも、芥川（間所）紗織、宮脇愛子など、阿部に師事していた当時の作家の作品が紹介されている。

　最後のエピローグ「新宿と美術の旅はつづく」では、新宿生まれの作家・清宮質文の作品が紹介されている。はかなく繊細なモチーフを、木版画やガラス絵などの小さな作品で表現する清宮の代表作《深夜の蝋燭》では、世の虚しさを表す「ヴァニタス」の象徴的モチーフである蝋燭が描かれる。開館50周年を記念する展覧会の第1弾として、ときに華やかな当時の新宿のアートシーンにも注目してきた本展が、最後を清宮の作品で静かに締めくくる意味を考えたい。

　近代美術の大きな拠点のひとつでもあった新宿は、今後どのように変化していくのだろうか。展示を見た後に、実際に新宿の街を歩きながら、これからの新宿の姿について想いを馳せてみてはいかがだろうか。